150年前印象派首展的那年春天到底发生了什么？马蒂斯著名的“红色画室”里都有哪些作品？来看看这一季值得看的展览。
如果照片是我们所见事物的记录，那么杉本博司则痴迷于我们如何看待事物。他说，“相机是一台时间机器，能够代表时间感。相机可以捕捉的不仅仅是一个瞬间，它还可以捕捉历史、地质时间、永恒的概念、时间本身的本质。”
这是摄影大师杉本博司的中国首个重要机构个展，11个系列，127件作品全景式展现这位国际著名艺术家50年的创作生涯，聚焦呈现杉本博司对时间和记忆的既定理解所展开的富有哲理而又充满趣味的探索，以及摄影作为纪实而又虚构媒介的多义性。
“萨拉切诺提醒人们，科学和艺术之间的鸿沟是一个较新的分野。曾经，艺术家不仅仅局限于画笔或凿子。达芬奇设计了飞行器，米开朗基罗是一位建筑师，贝尼尼上演了一场水淹歌剧院的奇观。”出生于阿根廷，常驻柏林的当代艺术家托马斯·萨拉切诺是一位被公认能够在艺术作品中运用高科技的艺术家，被称为“艺术界的蜘蛛侠”。长期关注生态问题的萨拉切诺，集富有远见的艺术家和古怪科学家特质于一体，在长达20多年的实践创作中，蜘蛛给了他无限的灵感。
大型体验装置《算法·韵律》是萨拉切诺标志性的代表作，上千根“蛛丝”拉扯出一个庞大而不真实的世界，观众似乎变成了蜘蛛，穿梭于装置之间，波动“蛛丝”就能听到弦乐的变化，感知自己的存在。在《一封无脊椎动物权利的公开信》中他写道，人类在地球上存在了20万年，而蜘蛛却存在了3.8亿年。他邀请人类重新认识蜘蛛，思考人类与其他生物之间的联系，思考人们如何在一个共享的星球上共生，“生物不是原子化的个体，而是混合体。每个生物体都是一个 ‘嵌套生态’，以复杂的方式与其他生物联系在一起。”
展览通过近百件互动装置、影像、雕塑、架上作品和游戏体验，以生态视角重新观照艺术，进而反思、重建人类与非人类，生物与非生物之间的关系。
从“火与沙”创造的玻璃艺术，到“火与金”创造的金属艺术，再到“火与土”创造的陶瓷艺术，这是清华大学艺术博物馆第三次联合平山郁夫丝绸之路美术馆举办特展，合起来就是完整地展现“火与文明三部曲”。本次展览汇集古代亚欧大陆和古埃及的陶瓷艺术，带领观众欣赏来自不同时期和区域的陶瓷制作工艺和造型，理解东西方不同文明之间的共性和差异性，以及彼此之间交流互鉴带来的文化交融和社会进步。展览根据展品数量和来源地分布情况，按区域划分为古代近东地区、伊朗高原及其周边、印度河流域文明、地中海区域、中亚的晚期彩陶、伊朗伊斯兰前期、东亚和东南亚7个单元，时间维度跨越6000年，观众可以从中窥见中国之外从早期陶器到晚期瓷器的发展历程。
这是奥地利著名平面设计师施德明在中国的首展。施德明的作品一直以开创性、思辨性闻名。在早期职业生涯中他成功将音乐与设计融合并赢得格莱美奖，不仅局限于此，他还将创作尝试扩展到了书籍出版、家具设计、展览和电影等各种领域。
近年来，施德明的关注重心转向了更具个体意义的项目，如人类幸福、美丽、人类进步等。在此次展览中，他将主题聚焦于人类的长期发展，在困境重重的当下他将积极的信息放大，并巧妙地将设计与数据相结合，大幅提升的住房拥有率、翻倍的人均预期寿命、巨量的博物馆参观人数……在全球仍面临诸多重要挑战的当下，为观众开辟了一种对未来更乐观的展望视角。
坎帕纳工作室由巴西设计师组合坎帕纳兄弟（Fernando & Humberto Campana）于1984年在圣保罗创立，凭借突破性的家具设计获得国际认可，随后在建筑、景观、时尚、艺术装置等领域也均有建树。坎帕纳兄弟的设计深深扎根于巴西文化和工艺传统，将日常材料重塑为既具功能性又具审美价值的作品，代表作包括以碎木头拼接而成的法维拉椅、用红色绳索缠绕成的红椅、由毛绒玩具堆叠组成的动物椅系列等。
本次展览是巴西坎帕纳工作室（Estúdio Campana）在亚洲的首次大型展览，聚焦工作室丰富的文化产出，借助设计项目、物件、手稿和影像等，全方位呈现工作室的创作历史、行动轨迹与设计理念。
OK-RM工作室由奥利弗·奈特（Oliver Knight）与罗里·麦克格拉斯（Rory McGrath）于2008年在英国伦敦创立，专注于发掘设计实践的无限可能。该工作室业务遍及全球，通过设计创作将抽象思维具象化。
此次大型展览首次全面展示OK-RM工作室超过15年的精彩作品，以命题探究的方式，深入剖析其设计理念、信念、流程及方法。展览主题“有序有意”既体现了对视觉文化的独特态度，也展示了设计过程中的操作手法，更是对和谐追求的探究，是一项兼具深度和广度的研究项目。
《红色画室》（The Red Studio）既是现代艺术的标志性作品，也是数百年来“工作室”题材绘画传统中的里程碑之作，描绘的是马蒂斯在法国伊西莱穆利诺镇的工作室，由赞助人委托绘制。艺术家以大面积的红色铺满整个画面，对房间里摆放的绘画、雕塑、家具和装饰品几乎无遗漏地进行描绘。
本次展览将以《红色画室》为核心展品，集齐了《红色画室》中描绘的多件物品，包括6幅画作、3件雕塑和1件瓷器（包括《年轻的水手二号》《沐浴者》《奢华二号》《披着白色围巾的裸女》《科西嘉岛老磨坊》等）以及相关画作和档案资料，对《红色画室》的创作和艺术意义进行全方位的解读。
马蒂斯1948年创作的《大红色房间》亦将亮相，展示艺术家时隔近40年对同类题材的重新诠释。
1956年，康斯坦丁·布朗库西——20世纪最具影响力的雕塑家之一——将他的整个工作室（完成的作品、草图、家具、工具、图书馆、档案库、照片等）遗赠给法国政府，条件是法国政府承诺按照艺术家去世时的样子重建工作室。
布朗库西认为雕塑与其所占据的空间之间的关系至关重要。在二十年代，工作室成为了他的作品的展览空间，并且本身也是一件艺术品：一个由相互生成的细胞组成的身体。这种从工作室内部观看每件雕塑，从而感知一组空间关系的体验，促使布朗库西每天修改它们的位置，以达到他认为最合适的统一。在他生命的尽头，布朗库西停止了雕塑创作，只专注于它们在工作室内的关系。这种关系变得如此重要，以至于艺术家不再想展出，当他出售一件作品后，他会用石膏复制品代替它，以免破坏团体的团结。
1997 年，在蓬皮杜中心对面的广场对其进行了精确重建，以收藏他的藏品，其中包括 137 件雕塑、87 个底座、41 幅图画、两幅画以及 1,600 多张底片和原始印刷品。1990年被洪水淹没后，不再向公众开放。目前的重建项目由建筑师伦佐·皮亚诺主持，作为包含工作室的博物馆空间呈现。
蓬皮杜中心本次借助布朗库西工作室搬迁的机会，举办迄今规模最大的布朗库西作品回顾展。展览共汇集近200件雕塑，结合照片、素描、电影、档案以及来自布朗库西工作室的物品和家具向观众进行展示。
古代人通过想象，创造出许多形态各异、各具神奇能力的生物。在历史流传的过程中，这些奇幻生物的形象逐步定型，寓意和内涵也愈发丰富，成为民间信仰或传说的主角。
《霖雨图》，宋代，在中国神话传说中，龙是「行云布雨、司水理水」的神兽，深受人们崇敬。画作中一条四爪金龙从云间探出头来，正和海中的蛟龙对视，背景乌云密布，有雨水随时将落下的感觉。
《瑞狍图》，郎世宁，清代古代有鹿满五百岁就会变成白色的说法，因此白色的鹿被视为长寿的象征。清乾隆十六年（1751），有人向乾隆帝献上了一头白色狍鹿，适逢皇太后六十大寿，因而皇帝特意让宫廷画家郎世宁作此画，用以庆贺祥瑞。
《内府驺虞图》，明代，驺虞是一种罕见的白虎，据说它能够预知吉凶祸福，因此驺虞现身，是一件祥瑞的吉事，象征在位者具备仁信的美德。明永乐二年（1404）秋天，相传周王朱橚封地内的神垕山有驺虞出没，于是朱橚便率领手下前往追捕，捕获珍兽以后，呈献给明成祖。这幅画就是描绘神垕山里的驺虞。
本次展览聚焦“文物中的奇幻生物”，以东亚文化圈为主，远自上古先秦，近至庙宇及民俗创作，从青铜器到家中神桌的摆设，介绍文物中充满故事的神兽，追溯它们的来源，探究它们被赋予的祥瑞意义。
展览划分4个单元，带领观者从长相、地位、特殊能力及出没地点等多样视角，探访古代神奇生物丰富多元的世界，了解它们的传奇故事与象征意义。展览也将揭示艺术家们如何结合自己的认知和想象力，将传说或文献中的奇幻生物具象化，创造出一件件令人惊奇又各具特色的神兽作品。
巴黎现代艺术博物馆、东京国立近代美术馆、大阪中之岛美术馆既广泛收集世界各地的现代艺术作品，也注重展示各自所在城市及地区的现代艺术发展历程。本次展览以“三重奏”为题，通过组合的形式展出三馆馆藏中具有共同点的作品，尝试从新的视角审视20世纪初至今的现代艺术。
展览共汇集110位艺术家的逾150件作品，涵盖绘画、雕塑、版画、素描、摄影、设计和影像等类别，组成34个“三重奏”，“模特的力量”、“想象中的花园”、“现实与虚幻之间”……
《佩雷尔街2号的会面》，Victor Brauner，1946年，巴黎现代艺术博物馆藏
《室内乐》，有元利夫，1980年，东京国立近代美术馆藏
《现成的花束》，René Magritte，1957年，大阪中之岛美术馆藏
比如在“现实与虚幻之间”这个“三重奏”中，三幅作品之间有一个共同点，即每位艺术家都参考了过去的一幅画作，在作品中加入了艺术家的克隆体，形成了一个介于现实与非现实之间的空间。维克多·布劳纳搬到了亨利·卢梭曾经居住过的佩雷尔街 2 号，这给了他灵感，让他的 "Conglomeros"（一个拥有巨大头颅、两个身体和六只手臂的生物）出现在卢梭的《耍蛇女》中。与此同时，马格里特的作品中经常出现一个戴高帽的人，而在这件作品中，他在这个形象的基础上叠加了波提切利的《春》中的花之女神弗洛拉。有元利夫的作品借鉴了皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡等艺术家绘制的文艺复兴早期壁画，画作中央坐着一位在众多作品中都有描绘的古典女性形象，虽然不真实，但却传达出一种怀旧感。
这些组合跨越时代、流派、东西方的界限，以题材、主题、色彩、造型、材质、创作背景等方面的共性相联系。展览旨在通过作品间的联系和对话，展现不同地区和文化间的艺术互动与影响，揭示现代艺术的多样性和复杂性。
1870 年普法战争，随后是暴力内战，在这样一种危机背景下，法国艺术家们开始重新思考自己的艺术并探索新的方向。一小群“叛逆者”开始以浅色和最轻盈的笔触描绘现代生活的场景和露天素描的风景。正如一位观察家指出的那样，“他们的首要目标似乎是给人留下印象”。
1874 年 4 月 15 日，一场展览在巴黎开幕，引发了世界上最著名的艺术运动之一：印象派。“渴望独立”的莫奈、雷诺阿、德加、莫里索、毕沙罗、西斯莱和塞尚最终决定摆脱规则，在官方渠道之外举办自己的展览，印象派诞生了。今年是这一具有里程碑意义的展览的 150 周年。奥赛博物馆将展出约 130 件作品，其中包括1874年印象主义首展作品，也包括同年在官方沙龙展出的绘画和雕塑，两相对比，展示当时印象派给公众带来的视觉冲击。
1874 年春天在巴黎到底发生了什么？今天我们应该如何看待这场已成为传奇的展览？“巴黎1874：制造印象主义”旨在追溯一个快速变化的世界中一场艺术运动的出现，以及莫奈、雷诺阿和德加等主要艺术家所扮演的角色。
作为意大利文艺复兴鼎盛时期威尼斯画派最伟大的代表画家，提香被誉为“西方油画之父”，他对色彩的运用不仅影响了文艺复兴时期的意大利画家，更对西方艺术产生了深远的影响，比如鲁本斯、凡·代克、普桑和委拉斯凯兹都曾分析或临摹过提香的作品。提香是继拉斐尔之后最受欢迎的肖像画家，他笔下的人物更为奔放，不但神态生动，光影和色彩的运用也更为精妙独特。本次展览非常罕见地集合了提香的5幅真迹，是提香真迹首次大规模在北京亮相。
除了提香，本次还展出了文艺复兴三杰之一拉斐尔，弗洛伦萨画派最后一位大师波提切利，威尼斯画派奠基人乔凡尼，巴洛克风格巅峰代表鲁本斯，以及荷兰光影大师伦勃朗等46位大师的作品。观众可以透过这些巨匠的作品，从大师的视角出发，去触摸时代的质感和细节。
18世纪是西方历史上的关键时期。许多现代甚至当代的特征，都在此时开始形成。在此期间，政治革命和思想启蒙也催生了欧洲艺术史上大量珍贵且颇具象征意义的作品。
《打羽毛球的孩子》 让·巴蒂斯特·西梅翁·夏尔丹
《钦琼女伯爵在马背上的肖像》 弗朗西斯科·戈雅
这是东一美术馆与乌菲齐美术馆“五年十展”合作项目的第四个国际大展，展览通过呈现乌菲齐绝妙的18世纪馆藏珍品，深入揭示了18世纪的政治和社会变革带来的艺术演变，从宏大历史题材到细致入微的平民风俗，全景展示了18世纪绚烂的艺术发展图景。与东一美术馆的另一个展览“提香·花神——乌菲齐美术馆威尼斯画派珍藏展”形成持续两个世界的欧洲艺术史发展的前后呼应，观众或许可以感受到18世纪的艺术时尚正是受到200年前威尼斯流派的影响逐渐发展而来。亚述之王：亚述巴尼拔——大英博物馆藏亚述文物珍品展
亚述帝国起源于亚洲中东地区，被称为最早的军事帝国。亚述君主在长达三个世纪的时间内不断拓展疆域，至公元前669年亚述巴尼拔掌权时，亚述帝国正处于鼎盛时期，疆域从地中海东部一直延伸至伊朗西部。
亚述首都尼尼微是当时世界上最大的城市，建有第一座以汇集知识为目标的图书馆。亚述巴尼拔因兼具学者、外交家和战略家的才能，被誉为亚述最伟大的统治者之一。
本次展览是苏州博物馆与大英博物馆国际合作展“世界文明史”系列的第三期，主要展出大英博物馆藏古亚述文物，通过古亚述王国最后一任君主亚述巴尼拔的视角，讲述亚述帝国在军事、文化、生活等各个方面的故事，呈现灿烂的亚述文明及其影响力。
展览将分为宫殿、雕塑、家具、花园、图书馆等多个单元，展示当前亚述考古和学术研究成果，展品年代最早可追溯至公元前900年，最晚延续至公元1885年。
展览将通过数字化陈列复原尼尼微图书馆、王族猎狮场等场景和活动，在展陈设计中加入亚述风格的石雕、建筑、花园、图案装饰等元素，让观众宛如身临其境地体验亚述巴尼拔的宫殿。
