超级市场乐队：与灵魂有关的真实表达

田鹏说过自己是“用身体在做音乐”，具体应该如何去理解这种创作方式？

田鹏：我做音乐是凭直觉，通过直觉做出来的东西我认为是最合适、最有意义的。用身体做音乐，很多东西需要提前“种在”身体里，需要花很长的时间，因为身体在这上面的反应是抽象的，间接的，需要去思考的。你刚学了一个东西，你的大脑记住了，但身体可能在很多年后才会对此有反应。生活喜欢跟你绕弯儿，因为它的坐标x，y，z始终在变化，是动态的，不是想抓就能抓住，所以需要等待。

超级市场很重视让视觉表达也成为音乐的一部分，但为什么现在乐队没有logo？

田鹏：我们可能更偏向于自己的思维逻辑，更偏向于生存，所以不会按时发片，也不会做首发推广。Logo其实以前刚成立的时候有，中英文全有，后来每个乐队都有了，我们乐队就有点逆反心理了，不想跟别人都一样。加上我自己是学平面设计的，这些年积累下来对西方文化稍微有些抵触。比如演出海报，如果是在国内演，那就没有必要为了好看而加上英文，视觉只需要具备最本质的功能性，多余的东西一点点都不需要，避免趋向于形式化，哪怕它看起来不那么“高级”“洋气”。但是我们跟别人合作的其他项目不会这样，比如777（田鹏另一个Dj制作人的身份）的项目会有logo。只是在超级市场这里，我希望它是足够真实的，带有我们所生存的地方的土壤性，可以体现出缺点，不太细致或落后都没关系，我希望它能自然融入到这个时代里头，和人群融为一体。

舞台上的超级市场看起来没有很大的情绪起伏，你们在演出状态和效果特别好的时候会有怎样的感受？怎样才是一场好的表演？

田鹏：场地的声音如果调得非常好，观众能够理解你的作品、给到你能量，是会让人真正倾情去表演的，那种时候确实会感动，就经常会哭。前几天我们在石家庄演出（滹沱音乐节），比如演《恐怖的房子》，那种感觉、律动、演奏都是很流畅的。有时候天气很好，温度很合适，风吹到舞台上，你就能够真正回到自己的作品里。当然这些都是可遇不可求的。

马浩轩：因为我是鼓手，舞台光什么的我也看不见，所以就是器材设备很重要。他们俩的乐器还能带自己的，我大部分时候只能用场地提供的，如果器材不太好就会很不舒服。还有空调特别好的时候也能帮助我更好地完成。

朱梦蝶：我觉得声光电是一个基础，声光电比较好的话，我们在音乐里会演到一个非常投入的状态，会把这种情绪传递给观众，然后观众也会再反馈给你，乐队和观众之间的那种能量就匹配上了，这种是最好的。

你们有没有看过其他的音乐现场是觉得特别好的、印象深刻的？

田鹏：我去法国的时候看过Portishead（来自英国的传奇的Trip-Hop乐队，2003年超级市场乐队受邀前往法国TRANSMUSICALES音乐节演出），我们和人家前后演，就觉得不是一个级别，因为观众的反应就不一样——看我们演出的时候大家非常嗨，场子里特别沸腾，但是Portishead演的时候大家非常的安静，每一个音大家都闭着眼睛听，每一声大家都理解，只会在听到曲终的时候鼓掌，整个场面都很深邃。后来我就不爱出国演了，我还需要去积累。

朱梦蝶：我最近印象深刻、反复观看的是九寸钉（Nine Inch Nails，美国工业摇滚乐队）2013年的一场演出，从编曲的设计、灯光的设计，每一个部分都是契合的，你觉得灯光也是在唱歌的，每一个人的影子都像是在表达，每一首歌都有一个新的氛围，怎么都不会腻，一直能挑起你的兴趣。

马浩轩：2018年枪花（Guns N' Roses，美国重型摇滚乐队）在台北和香港开了两站我都去追了，小的时候特别喜欢他们，现在看他们都老了，但内心里还是他们特别年轻的样子，就有点难以接受。

朱梦蝶自己还有一支全女子的乐队“荷尔蒙小姐”，在那里作为主唱和在超级市场有什么不同？

朱梦蝶：在超级市场还是会处于一个相对舒适和轻松的状态，不太会去把自己逼到某个程度，把自己能做的发挥出最大的可能性就可以了；但是在荷尔蒙小姐的话可能更需要灵魂、核心，需要有更多概念，这些东西是需要我去给到的。

现在AI创作广泛地进入到了音乐、设计、视觉领域，你们如何看待这种现状，人类创作的不可替代性在哪？

田鹏：AI是一种科学技术，科技与人类的属性相反，前者是在追求一个真理，一种对的、完善的、准确东西，但人类的存在是因为有错误性，因为错误产生了情感，生命才有了意义。就像下棋，AI可以一直赢，但人下棋是为了输，输了才会想赢。很多科幻电影都会表达极端的工业科技让人类走入绝境，所以我并不担心AI创作。我们创作音乐，并不是因为它本身有多“好听”，没有对错好坏，而是一种伴随性，再“难听”“过时”的歌，你小时候天天听，长大了你也会需要，因为你想念的是那段时光。艺术不是数学，没有答案，现在的电影、音乐、绘画也都是一种艺术载体，也许慢慢会消亡，会产生维度更高的新的艺术形式。