一篇文章，揭开抽象艺术的神秘面纱

有温度 有深度 有广度

表达方式与绘画标准

《最后的晚餐》，达•芬奇

文艺复兴以来，得益于投影几何和透视技法，画家们努力做到细致入微、栩栩如生地描绘眼前的世界。

看达•芬奇对《最后的晚餐》的刻画，或英国画家透纳《加莱码头》中对大海、天空和帆船的描绘，就能够理解这种绘画风格的追求。

《加莱码头》，威廉•透纳

简单而言，西方传统绘画的标准就是画得「越像越好」。但这种艺术理念在19世纪逐渐发生变化，这里既有内在原因，也有外在原因。

内在原因是艺术家热爱创造，不满足于既成的模式和手法，渴望探索全新表达方式。比如透纳晚期，就尝试用更抽象的方式描绘景物。

他在《暴风雪》里就描绘了类似《加莱码头》的场景，也是大海、天空和船只，但是没有任何具体的形象，只剩下抽象的线条和色块。

《暴风雪下的汽船》，威廉•透纳

如果同时观看《加莱码头》和《暴风雪》，相信我们都会觉得《暴风雪》虽然没有那么像，却比《加莱码头》更能表现自然那种排山倒海的能量感，也更容易激发情感。

透纳的另一幅代表作《奴隶船》

除了艺术家的主动探索，「越像越好」的传统理念也遇到艺术之外的挑战，被「摄影术」无情碾压。即使画得再像，也没有照片像。

摄影从外部迫使艺术家改变传统的模仿活动，尝试全新的表达方式。此时作画的目的，就不再是被动模仿外在事物，而是表达主观感受。

《睡莲》，克劳德•莫奈

为了更细致入微的表达情感，艺术开始借鉴科学里的「还原主义」：

就是将景物分解成线条、形状、色彩这些基本要素。用这种方式，探索如何在二维平面表现三维世界。

比如「现代艺术之父」塞尚，就致力于将景物分解基础的造型要素，来呈现表象之下更为本质的形式。

《圣维克多山》，保罗•塞尚

此后以莫奈为代表的「印象派」、梵高为代表的「后印象派」、以毕加索为代表的「立体主义」、马蒂斯为代表的「野兽派」相继诞生。

《罗纳河上的星夜》，梵高

虽然不同流派在表现手法上大不相同，但是有着重要的共同之处：就是都有意识地对物体进行抽象提炼，或抽象成色块，或抽象成几何形状。「抽象派艺术」应运而生。

《阿尔及尔的女人O版》毕加索

视觉形成与绘画欣赏

视觉产生有两条通路。分别是「自下而上」的信息传递通路，和「自上而下」的信息加工通路，它们都和我们观看绘画有着密切关系。

自下而上的信息传递通路，就是物体反射的光投射到我们的视网膜。视神经把光信号传递到初级视觉皮层，然后对信息进行初步加工。

初步筛选和整合工作完成之后，初级视觉皮层会再把不同信息传递到大脑的不同区域，从而分辨出物体的形状、色彩、位置等具体特征。

此时，就进入了大脑「自上而下」的信息加工通路。大脑会根据之前的记忆和经验，对初步信息进行加工整理，从而辨认出特征等等。

大脑「自上而下」的信息加工能力非常厉害，即使很不完整的信息，通过调取之前的认知和记忆，也能补全对象，即所谓的「脑补」。

因此眼睛就不仅是认识世界的窗户，视觉也不仅是被动接收的过程。当我们观看一幅画的时候，并不是只是单纯的被动观看，而是有大脑主动参与的创造性活动。

文艺复兴以来的古典绘画，通过透视、造型、色彩、明暗，把三维世界惟妙惟肖地复刻到二维画布上。

这种具象绘画结构清晰、主次分明，内容也很容易分辨，适合视觉系统自下而上的认识过程。所以大脑只需依靠默认功能，简单地辨认出物体即可，自然不会很兴奋。

但是观看抽象画的体验就完全不同。因为没有明确的对象和清晰的轮廓，视觉神经在把画作上凌乱的信息传递到大脑之后，需要做更多自上而下的加工，就需要调取更多之前的认知，进行更多的联想。

换句话说，需要「脑补」的内容要多很多，此时大脑的高级神经区域就会更加活跃，更加容易兴奋。

同时，观看抽象画也不仅仅是简单的辨认常规物体。每个人之前的经验不同，大脑所产生的联想就会不同，从而带来截然不同的感受。

因此抽象画的解释空间更大，不同人会产生截然不同的理解和感受。

观看抽象画的过程中，我们有更多的想象和认知投射到画布上，如同间接参与到画家的创作过程中。

观看透纳的《暴风雪》之所以比看《加莱港口》感受更强烈，就是因为《暴风雪》抽象掉了《加莱港口》里面可辨识的具体形象，而让我们通过颜色、形状、纹理等，更多地发挥想象，带入自己的体验。

抽象艺术与代表人物

理解了两条视觉通路，就能够明白，为什么观看抽象画和观看具象画，会产生截然不同的心理感受。

而通过抽象绘画领域取得巨大成就的艺术家：康定斯基、德•库宁和马克•罗斯科。我们就能更透彻的理解，抽象绘画的价值和意义。

康定斯基不仅是杰出的画家，而且是出色的艺术理论家，为20世纪抽象绘画作出了奠基性的贡献。

康定斯基早年也画具象作品，有很强的后印象派风格。比如《蓝骑士》和《巴伐利亚的秋天》等。

《蓝骑士》，康定斯基

促使康定斯基从具象转向抽象的，除了自身摸索和时代需要外，还有意想不到的因素：音乐的启发。

音乐中，一个八度里面只有12个半音，所有伟大的音乐都是由基本音符，通过排列组合形成的。更让人惊叹的是，音乐的表现方式高度抽象，却丝毫没有影响它的感染力。

认识到这一点，让康定斯基看到了绘画创作的方向，目标就是把音乐转化成绘画。以此为目的，他完成了理论著作《艺术中的精神》，对抽象绘画作出全面的理论表达。

《论艺术中的精神》，康定斯基

音乐用音符打动人心，绘画中的形式和色彩也有直击心灵的力量。

康定斯基认为：可以通过线条、色彩等要素，让艺术变得客观，从而系统地表达精神和灵魂的崇高。这本书给抽象绘画奠定了理论基础。

在完成《艺术中的精神》的第二年，康定斯基在绘画上也从具象转变到抽象，《作曲5号》被认为是第一幅严格意义上的抽象画。

画面取消所有具体形象，以不同色块和线条，表达那个时期困扰康定斯基的，对于死亡和复活的思考。

《作曲5号》康定斯基

在康定斯基对抽象艺术的早期探索之上，抽象艺术的黄金时代，是二战后在美国出现的「抽象表现主义」。以及以德•库宁、杰克逊•波洛克、马克•罗斯科、巴尼特•纽曼等为代表的抽象派艺术大师。

《蓝柱》，杰克逊•波洛克

德•库宁就是开篇创下绘画纪录的画家。在70多年的绘画生涯中，曾经历过多次风格转变，但最具代表性的还是「抽象表现主义」作品。

德•库宁曾说：「任何一种绘画，都是今天生活的一种方式，或者说是一种生存方式的表达。」

德•库宁1950年创作的《挖掘》，被誉为20世纪最重要的绘画作品之一，堪称抽象表现主义的巅峰之作。乍一看，画面的线条和色彩相当混乱，几乎「满目疮痍」。

它没有中心、透视和具体形象，迫使我们的眼睛在画面不断游走，去关注线条、形象、色彩和纹理。

《挖掘》德·库宁

题目「挖掘」会自然地联想对资源及财富的挖掘。这幅画就是表现了二战之后，一跃成为世界霸主的美国社会，在一派繁荣气氛之中，那种充满动荡和躁动不安的情绪。

再深一层，画面剧烈动态变化中，可以强烈地感受到对欲望的挖掘。

人的欲望永无止境，就像这幅画，眼睛始终无法停在某个具体位置或形象上。对欲望的释放，也同样代表了某种释放自我的精神。

同样一幅画，随着视角和背景信息的差别，会产生全然不同的联想，因此带来截然不同的观赏体验。

面对无限多且非常开放的可能性，大脑就会接受更多的刺激，调动更多自上而下的信息处理功能，从而处于更加兴奋和激动的状态。

德•库宁的作品，代表抽象表现主义中的「行动绘画」一派，就是用高度抽象的方式突出画面的动感。

和德•库宁强调画面动态效果截然相反，抽象表现主义代表马克•罗斯科是「以静制动」的典范。

罗斯科的风格被称为「色域画」，就是画布上只有不同的色块，所有动态的线条和形状都被抽象掉了。

罗斯科对绘画的表现方式做了极致的还原，仅仅专注于色彩本身。

罗斯科笔下的色块看似随意，但其实无论是色彩选择、色块的大小和比例、还是画面的透明度，甚至颜料的厚度，都有着精心的安排。

他刻意毁掉一切熟悉的具体形象。认为只有这样才能让我们回归内心，寻找到精神的力量，揭示出关于自我和世界，更高境界的真理。

罗斯科 作品 六幅

罗斯科的作品大多尺幅巨大，如果站在它们面前，相信你一定会被它们深深吸引，产生一种类似默想式的自由、安宁、平和的感受。

罗斯科的作品彻底解放了色彩，不再像传统绘画那样，让色彩与具体的形象紧密结合，反而将抽象绘画带到了更具精神性的新高度。

罗斯科创造的观画体验，也得到科学确证：大脑会对不同色彩产生不同情绪反应，如红色让人兴奋、黄色让人警醒、蓝色让人冷静。不同心境也会对色彩有不同反应。

就是说，看到色彩时的情绪反应，也要调动大脑自上而下的信息处理机制，从而产生积极的观画体验。

三位抽象艺术代表人物：康定斯基为抽象艺术奠定理论基础；德•库宁用动感笔触表现人类精神；罗斯科则用静态色彩引发情感和思考。

大脑处理视觉信息有两条通路，「具象绘画」只需调动「自下而上」的通路，而「抽象绘画」要调动「自上而下」的信息处理通路，从而带来更加积极的观看体验。

抽象画为何如此深奥，又如此迷人？答案就是：观看抽象绘画，不只是简单识别画中形象，而是要调动大脑的高级功能，对各种视觉信息进行加工处理，所以非常困难。

但也正因为此，就像思考哲学问题一样，拥有更加高级的享受，所以抽象绘画更加迷人且充满魅力。

抽象艺术，给我们提供了看待世界和看待自己的全新方式。而在欣赏抽象绘画的同时，我们自己也成为与艺术家心灵相通的创造者。

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