1962年8月4日，玛丽莲·梦露（Marilyn Monroe）在洛杉矶布莱登木寓所的卧室去世，年仅36岁。
梦露的一生充满了误解与矛盾：她是个璀璨巨星，也是个被生父抛弃的私生女；她被塑造成性感与欲望的化身，却从未丢失孩童般的天真；她总被打上“无脑美女”的烙印，实际上她热爱阅读，饱读诗书且聪慧出众。
梦露的第三任丈夫——剧作家亚瑟·米勒曾如此形容：“实际上，她是一名站在街角的诗人，试图向争着想拉下她衣服的人群朗诵诗句。”距她离世已经60年，时间验证了她的魅力并非浮于浅表，死亡也没有终结她的神话，而是一个新的开始！2022年5月9日，在佳士得纽约“Thomas and Doris Ammann珍藏”夜场拍卖，安迪·沃霍尔《枪击玛丽莲（蓝色鼠尾草）》（Shot Sage Blue Marilyn）以1.95亿美元拍卖成交，刷新艺术家作品拍卖纪录，不仅打破2015年佳士得纽约夜场拍卖中毕加索油画《阿尔吉尔的女人（O版）》拍出的1.79亿美元纪录，成为拍卖史上最高价的二十世纪艺术品，亦成为拍卖史上第二贵画作，仅次于2017年以4.5亿美元拍卖成交的达芬奇油画《救世主》（近30亿元）。
佳士得20世纪和21世纪艺术部主管亚历克斯·罗特（Alex Rotter）对这幅画赞誉有加：“《枪击玛丽莲（鼠尾草蓝色）》打破了肖像画的形式极限，超越整个20世纪的艺术和文化，是能够和波提切利《维纳斯》、达芬奇《蒙娜丽莎》以及毕加索《亚维农的少女》相提并论的作品。”
玛丽莲·梦露肖像是美国波普艺术家安迪·沃霍尔的代表性创作主题，他在1964年制作了以红色、橙色、浅蓝色、鼠尾草蓝色和绿松石色为背景的玛丽莲·梦露肖像版画。作品制作后不久，沃霍尔答应美国行为艺术家多萝西·波德伯（Dorothy Podber）的拍照（shoot）采访。当多萝西来到沃霍尔位于纽约东47街的著名工作室“工厂”（Factory），看到了刚印刷好的四幅玛丽莲肖像正叠放在一起，她拔出手枪射击（shoot）版画，在梦露的左眉上留下弹孔，用这个谐音梗创造了她所谓的行为艺术时刻，这一系列被修复后也因此得名《枪击玛丽莲》。
这件作品所依据的原照，是玛丽莲·梦露在1953上映的电影《飞瀑怒潮》（Niagara）的宣传剧照，如此迷人而神秘的微笑早已在安迪·沃霍尔的作品中获得了更为广泛的流传。
电影《飞瀑怒潮》是玛丽莲·梦露成为巨星的转折之作，也是她首次担纲主角的电影。
她在镜头里向尼亚加拉瀑布溜达了116步，她扭腰摆臀、袅袅婷婷的走路姿势，被誉为“梦露步态”。
1962年梦露猝然离世，安迪·沃霍尔（Andy Warhol）和无数粉丝一样极为震惊和伤心，他根据《飞瀑怒潮》中那张黑白剧照，使用丝网印刷技术，开始创作以梦露的脸为主体的《Marilyn Diptych》（玛丽莲双联画）。
▲ 沃霍尔使用原照再创作
画作中，从彩色过渡到黑白，再到极其厚重的黑色，再到最右边淡去的图像，似乎寓意着死亡消解了名利场的光鲜亮丽。
梦露的红唇是她的经典标签之一，为了让嘴唇看起来丰满诱人，据说梦露每次化妆要用五种不同颜色的口红。
沃霍尔对梦露的香唇有着别样的迷恋，他说：“一个人不化妆的时候，看起来最让人想亲吻。玛丽莲的双唇不属于令人想亲吻的唇，却非常适合拍照。”
他在1964年绘制了五种不同颜色的平板印刷版画，起名为《I Love Your Kiss Forever Forever》。
▲ 安迪·沃霍尔《经典玛丽莲梦露》丝网版画（一组10幅），点击图片购买高饱和度的色彩激烈碰撞，折射出梦露在光鲜外表下不为人知的深切哀伤，仿佛是她一直把真我隐藏在了面具之后。
在沃霍尔所有作品中，“玛丽莲·梦露”系列必然是知名度最高的，大众对这件作品的认知度甚至盖过了对安迪·沃霍尔本人。
1928年8月6日，安迪·沃霍尔出生于美国宾夕法尼亚州匹兹堡市一个斯洛伐克移民家庭，他在贫民区长大，好莱坞电影明星是他困窘童年里为数不多的亮色。
▲ 安迪·沃霍尔童年时期的剪贴簿
他热衷于看电影，还写信给秀兰·邓波儿等电影明星索要照片和签名。沃霍尔是家里最小的孩子，他体质纤弱又性格内敛，8岁时，患上了罕见的“西德纳姆舞蹈病”，面部和四肢会不由自主地乱动，因此不得不辍学在家一年。
除此之外，疾病还给他带来糟糕的皮肤和稀疏的头发，他害怕出门，这种外貌焦虑几乎困扰了他的一生，成年后他特别喜欢用灰色或者白色头发来吸引注意力，甚至收藏了40多顶假发。在敏感自卑的年少时光，母亲给了沃霍尔最大的关爱和安慰。母亲为卧床养病的小儿子买了很多电影杂志、漫画、纸质玩偶，并鼓励他涂涂画画。沃霍尔后来说这一时期影响了他的一生，正是漫画中的简练线条与绚丽色彩，杂志上的流行文化，以及母亲的艺术熏陶，塑造了他最初的审美。▲ 安迪·沃霍尔早期插画
14岁时，沃霍尔的父亲去世，所幸的是，父亲生前也看到了儿子的艺术才华，并攒了足够的钱供他上大学。1949年，21岁的沃霍尔从卡内基理工学院获得了海报设计的艺术学士学位，他带着小行李箱和满腔梦想来到了迷人的大苹果城——纽约。沃霍尔在《Glamour》杂志找到了他的第一份工作——为文章绘制插画。而他配图的第一篇文章标题就叫：《在纽约，成功是一份工作》（Success is a Job in New York），如同预言一般奇妙。很快，安迪的艺术天赋与独有的风格开始为商业社会所认同，广告商们喜欢他充满幻想的构思、细腻的画作、带着墨渍的线条、可爱而古怪的手写字体，他开始频频获奖，包括在1954年获得的美国平面设计学会接触成绩奖，1956年和1957年连续获得艺术指导人俱乐部独特成就奖和最高成就奖。在做广告设计时，他采用了一种特别的上色技法：把颜料涂在裁剪成一定形状的光滑纸片上，然后把纸片上的颜料印在另一张画纸的指定位置上，光滑纸片上的颜料就沾染在了画纸上，再勾出图案的边线。这样上色造成一种偶然的效果，与沃霍尔后来制作的丝网版画印刷的效果有几分相似。
▲ 安迪·沃霍尔《腿和可口可乐瓶》，约1956年
1960年，沃霍尔的年收入已经超过了七万美元，是纽约薪资最高的商业艺术家之一，但他却希望能够成为一名真正的艺术家。他不喜欢那个年代的抽象派画风，于是在自己热爱的商业范畴找到了一种绝佳的表现方式，将物质时代的商品变成可以于画廊展出的艺术，用以反应美国大萧条后蓬勃的消费革命。第一幅《可口可乐》是用彩铅、朱红和土黄色颜料画的，纯手绘，有些抽象表现主义的笔触风格；第二幅画法类似，颜色减成黑白；第三幅完全去掉了笔触特征，边缘清晰，把可乐瓶画成了一个图示，和印刷出来的一样。三幅画的尺寸与人同高，俨然三座可口可乐纪念碑。 沃霍尔有个著名的可乐理论：“你在电视上看到可口可乐时，你可以知道总统喝可口可乐，利兹·泰勒喝可口可乐，你也可以喝可口可乐。你喝的可口可乐和别人喝的一样，没有钱能使你买到比街头流浪汉喝的更好的可口可乐。所有的可口可乐都是一样的，所有的可口可乐都是好的。”
1962年7月，洛杉矶费鲁斯画廊给尚未成名的沃霍尔办了一个展，首次展出的32幅《金宝汤罐头》（Campbell’s Soup Cans）引起了巨大的争议：千篇一律的半机械手段批量生产出来的作品，这也能算是艺术吗？最终商业证明了他的价值，32个金宝汤罐头以1,500美元的单幅价格被售出，安迪·沃霍尔也转型成为了波普艺术的领军人物。
可以说，梦露去世的那一年，也就是1962年，是安迪·沃霍尔艺术之路的里程碑，他随后通过丝网印刷手法和不断重复影像，将商品、美元、名画、名人头像化成视觉艺术品。
他试图完全取消艺术创作中手工操作因素，他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。安迪·沃霍尔对此解释说：“我二十年都吃相同的早餐，我想这也是反复做同一件事吧。”对于他来说，没有“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。虽然有人认为安迪·沃霍尔的作品十分无聊，“就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。”但对于他而言，这些复制品的重复累计却让其获得了超越原本物品个体的艺术价值，他有意识地消除画中的个性与感情色彩，不动声色地罗列现象，这也正体现了他的那句名言：“我想成为一台机器。” 
靠着单调、无聊、重复的画面所传达出来的冷漠、空虚与疏离的感觉，正好切合了高度发达的商业文明社会中人们麻木的内在情感。其实，沃霍尔的“明星”系列里，除了玛丽莲·梦露，还有奥黛丽·赫本、伊丽莎白·泰勒、猫王等等。但唯独只有玛丽莲系列最为出名，也屡屡在拍卖会上拍出天价。
或许，这里包含的两个因素都是缺一不可的，必须是玛丽莲·梦露，也必须是安迪·沃霍尔。
