寄托文人情思的山水美学

中国人眼中的山水，是展现对天地万物的认知与思考，是体悟与哲思。

论山水画的起源，最早可以追溯到魏晋南北朝，到隋唐开始成熟独立。

隋代 展子虔《游春图》 故宫博物院藏

将山水画绘制于陶瓷之上，也是将传统文化中的哲学思考融于日常生活中。

而青花瓷的起源，学术界虽有不同界定，但在元代发展成熟，已是不争的事实。

以现有的资料来看，元代青花瓷上没有直接绘制的山水纹，它仅在少数人物故事题材的青花瓷中零星体现，充其量只能算是背景。

到明代初年的宣德时期，青花瓷上的山水纹开始结合亭台楼阁、石栏水榭出现。从笔法上来看，仍是图案式的勾画、填充，尚未形成山水画的笔墨与意境，将其归为青花山水还是很勉强。

宣德时期青花瓷上的山水纹并没有顺势发展下去，直到明代晚期的天启年间，它才又重新出现，这一时期的山水纹不论精粗，都表现出了独特的文人气质。

明崇祯 青花壩桥行旅图筒瓶 上海博物馆藏

那么青花和山水何以在明末冲破这层桎梏，并在清康熙时期走上巅峰呢？

因为文化一旦与时代合拍，就会迸发出巨大的生命力。

明末清初，在青花瓷上大兴山水之风其实并非偶然，随着朝代更迭，文人士大夫感到大势已去，唯有逃避到山水世界中，方能暂时得到心灵的安宁。

在康熙朝达到了巅峰，不仅胎、釉、彩、纹饰有机地融为一体，每一件瓷器如果将纹饰展开，都是一副文人气息浓郁的山水画。

清康熙 青花山水图笔筒  故宫博物院藏

到了清康熙时期，为稳定社会，笼络文人，青花山水更加受到皇帝的重视和推崇。

清代的《陶雅》中曾记载：

“不但官窑器皿仿佛王、恽，即平常客货亦莫不出神人化，波澜老成”。

清康熙 青花山水长方花盆 

台北故宫博物院藏

在色彩方面，“分水”技艺的大飞跃，使康熙青花的色阶层次远胜于前朝。“分水”，系绘画青花纹饰的一种技法，即根据画面需要调配料水，在坯胎作画时显示出浓淡不同的色阶。

明万历时期青花分水可以表现出三个色阶。而在康熙时期，则吸纳借鉴了中国国画中“墨分五色”之法：头浓、二浓、正淡浓、正淡、影淡无色，极致时可见一器上青花色阶多达九个。

在《陶雅》中记载：

“（康熙青花）见深见浅，有一瓶一罐而分之七色、九色之多，娇翠欲滴。”

清康熙 青花山水长方花盆局部

中国传统里奉行的“诗画同一律”几乎总是与山水画发生最为深刻的联系。

将山水画绘制于陶瓷之上，让传统文化中的哲学思考融于日常生活中，以期达到观复博物馆的核心理念：与古人对话，与文化同行。

「观复青花手绘系列山水盖碗」

青花山水纹，我们今天看来只是瓷器上一个小小的表现，但在文化上却有着相当丰富的内容，不同时代的审美风格不断在上面叠加、积累、凝结，值得今人细细品味。

此「观复青花手绘系列山水盖碗」技法熟练、构图精巧，寄托文人情思的青花山水。

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「康熙青花山水系列雅器」

观复博物馆特作「康熙青花山水系列雅器」。取法康熙中期最鼎盛时的青花风格为蓝本。

康熙青花由于烧造时间长、前后变化跨度大，可分为早中晚三期：早期从康熙元年到康熙十九年（1662~1680）；中期从康熙十九年到康熙四十年（1680~1701），此后进入康熙晚期（1701~1722）。

康熙时期以中期所烧青花最为著名，其烧制的青花山水在质感、色彩、艺术方面皆达到了很高的境界。康熙青花的胎质格外致密，故而胎体富有坚硬度，造型挺拔俊秀。

康熙青花山水的一个极其重要的独具特征：“斧劈皴”明显——这是非常典型的南宋山水画风格，此为一种对山势“质感”的表达。宏大处以浓墨斧劈皴法“刀砍斧凿”出山峦之陡峭怪乱。

我们今天看到一件绘有山水画的青花瓷，赏心悦目之余，并不会觉得多么难得。

但青花瓷和山水画这两门精彩的艺术，能够碰撞到一起，发展成经典的纹饰，并传承有序地呈现在今天人们的眼前，却不是一件容易的事。

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清 沈世儒 博古图贴落 故宫博物院藏

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