近九成非男性艺术家的全球最重要艺术大展创历史

VOGUE：

你的作品彻底打破了人类的身份边界，尤其是你创作的赛博人替身，什么经历和背景促使你产生这样的认知并引发这样的创作？

陆扬：

我在2015年就开始使用自己的形象创作，是创作上的需求，和经历背景没啥关系。我喜欢跳跃到比较宏观的角度创作，技术迭代进步，用的工具也会更新，DOKU不同于以往的自我形象，技术层面上是我的“数字孪生”，尤其是面部扫描百分百还原真人。

VOGUE：

可否向我们简单介绍你的参展作品“独生独死Doku The Self”？

陆扬：

DOKU独生独死是我的数字化形象，于2020年，Covid19爆发前期开始筹备制作，（围绕DOKU这个角色进行数字资产的积累和搭建），没想到Covid至今已2年多，DOKU就以这样的方式在数字世界内生活了两年。DOKU的第一部叙事性电影作品“独生独死Doku The Self”中又带入我的很多个人经验，我假借DOKU的数字躯体，又一次将自己生命中阶段性的灵光一闪杂糅在这一件作品之中。

作品一开始DOKU在梦中与其他人一起努力奔跑逃离厄运。当他经历着梦境中死亡的那一刻，他从梦中惊醒活了过来，发现他依然作为一个人类并且置身于一架飞机上即将开启他的旅行。从梦境中死去，从现实中活过来，是我常有的个人经验，这让我更觉得生与死的交接只是一扇门而已。生与死并非二元对立，他们只是相对于彼岸而言的试炼游戏，他们是同为一体的此岸。

我将自己的一段飞行经历投射在了这个作品之中，这个缘起对这件作品非常重要。2020年疫情爆发期间，在一架飞机上，我看到身边远远近近、忽闪忽明的闪电，和城市成为90度角的垂直视野，飞机在雷雨中骤降上升，飞机上其他乘客惊恐哭喊，我只望向窗外。这一切都太奇妙了，我体验到了“狂喜”。地面上如豆腐块一样的城市星星点点，就是刚才我在的位置，我如此客观冷静地观察它，就像濒死体验中灵魂脱离了肉体走向了更宏观的视野，并在上升的视野中，观察如他者般的自己的躯体。在那一段时刻，我经历了灵魂跳出躯壳的平静感。时间是静止的，或者根本没有时间，空间也超越了我以往对于空间的概念。这一刻无法从任何书本上学到，实在是太过于奇妙，很想知道到底是为什么，就在网上搜寻看看有没有人有过类似的经验，发现 “总观效应”（overview effect) 虽然是太空人在更遥远的宇宙维度体验到的，但和这个体验相似。本来因为Covid疫情心情非常沮丧，但这次雷雨中的 “狂喜”，让我有了全新的看待世界的方式，这种能量持续影响我现在的每一个当下。DOKU在这个数字化世界的飞机内代替我重新体验了我那时的Overview effect，在制作这件作品时，我也总是可以回到自己经历的那个航班上，回到那个体验了“狂喜”的原点上。

VOGUE：

DOKU The Self的创作经历了疫情阶段至今，魔幻现实对你的作品产生了什么影响？

陆扬：

我喜欢在更宏观的角度去思考创作，纵观历史，我们现在经历的已经上演过很多次了，而且人的一生都是在历史长河中的一个段落，历史上那么多灾难战争瘟疫灾变，碰上很正常，人性如此，人类的整体在思维上没有进化，历史就会相似的上演，所以我做作品会从人类的整体，宇宙的整体，超越时空的概念出发，不太会针对当下的事件，疫情也属于这些人类整体事件中，而不是独立于外的。

VOGUE：

祝贺DOKU The Self登上了威尼斯双年展的舞台。今年的威双以其非男性的绝对占比，被视为最特别的一届，你对此有何评价？

陆扬：

我一直觉得自己只是一个可以利用身体表达的思维体，没有参照物就没有男女之别，我的作品也和性别无关，而且作品的角色都是没有性别的。但是现实就是男女不平等这是一个人类历史问题，而且确实存在，威尼斯双年展能走出这一步必须要挺啊。

VOGUE：

上海的疫情使你不得不缺席了今年威尼斯开幕、墨尔本当代美术馆个展开幕等一系列活动，一定会有些遗憾吧。

陆扬：

这是我第二次参加威双，第一次是2015年在国家馆。我在国外的很多合作方和朋友都很惊讶我竟然自己不出席。但我就是在上海关在家里，只能发个文件过去，没办法布展，每天只能在Instagram上看看那些去看展览的人发的我的作品的快拍，互动一下......感到非常遗憾……有些physical作品也很难运输，要在本地制作，演出也只能远程遥控，虽然数字创作对地域没啥限制已经算比较幸运的，但艺术家在场还是非常重要的。

VOGUE：

未来有最新的创作计划与展出计划与VOGUE读者分享吗？

陆扬：

丹麦AroS、德国Kunstpalais正在展出，东京森美术馆的个人项目正在进行中。下半年在德意志银行的柏林空间PalaisPopulaire和伦敦Zabludowicz collection分别有一个个展。另外，蒙克美术馆三年展、悉尼歌剧院的个人数字演出项目等等，特别多项目、很多群展，工作重心基本都在国际上吧。

VOGUE：

AI、智能学习、东方西方、艺术科技，你的这件作品融入了这个时代最值得我们去探讨深究的东西，我深深感到，你的作品既回应了本届威双主题“梦想之乳”——关于智人边界的讨论，同时也召唤着中国馆主题“元境”，能否介绍一下这件作品，并与VOGUE的读者分享关于“边界”的观点。

刘佳玉：

参展作品《虚极静笃》是一件全长约21米，展线覆盖约30米的三维雕塑投影作品。创作初期的灵感来自中国最早的地图集《禹贡地域图》，它对中国的地理化产出了最早期的想象与思考。我希望这次创作的作品能透过人工智能对地形的转译，展现出不同视角对文明的认知，以及不同人对想象的渴望，每个人都有属于自己的视角和该视角背后关联的有关文明的推演路径，我期待通过这些不同视角输出的内容描摹出属于人类未来的蓝图。在过去的一年里，我们从贺兰山脉出发，使用了StyleGAN，pix2pix和MIDAS来训练作品中不同的组成部分并获取不同的信息。系统将人工智能对中国地形进行深度学习训练后生成的三维成果与人工智能对中国历代水墨画进行深度学习训练后生成的二维结果进行同步训练。在超现实维度与虚拟场域之间，为观众创造了链接二者的缓冲地带。

现在有很多讨论关于人类与机器的分野，或者虚拟世界与现实世界的边界。但其实在我的创作中，这种所谓的“边界”是不存在的。我作品中的空间，是人们从现实世界抵达虚拟世界前的缓冲地带，不是“边界”，而是一处让人们照见现实中不可见的本质，展开想象去完成从现实到虚拟过渡的区域，在这里，现实世界的真实信息不断导入虚拟世界的同时，再将虚拟世界的回响持续反馈于现实作品的场域。我使用人工智能的深度学习作为创作的基础时，我不会完完全全将AI当成纯粹的机器，他不仅仅是某个创作的媒介，更像我的一个拍档，我会和他一起共创，他也不是每次都能学习或训练出我想要的状态，我们也有磨合，但这一切就是创作的乐趣所在。

VOGUE：

2014年从皇家艺术学院毕业，这一路走来，你经历过的最艰难的时刻是什么？有设想过不到十年就站到这个舞台吗？

刘佳玉：

其实好像也没特别所谓的艰难的时刻，因为我在走上创作之路时从来没有对现在进行过某种设想，或者期待自己能站上什么样的舞台，就像我之前并没有想成为一名艺术创作者一样，很多事情我在做选择时候都是顺其自然的，是因为自己内心纯粹的喜欢。当然在现在的我看来，这一路走来我很幸运，有很多人帮助我。有机会在这样的年纪就参加威尼斯双年展中国馆的展出，也非常感谢张子康老师及助理策展人孙冬冬的支持。

VOGUE：

这件作品既然是机器学习和艺术家思想的交织，是虚拟空间与现实空间的相遇，相信威尼斯中国馆是它拥有的最完美的“物理性”亮相，是否这件作品在未来有更广阔的“虚拟性”空间？

刘佳玉：

作为一件三维雕塑投影作品，有很强的延展能力，它与“虚拟性”空间的适配度与可塑性也很高，能融合很多场景，引导观众打开更深层的想象世界。作为创作者，我当然希望它能在“虚拟性”空间展现更多的可能性，而且在后疫情时代，如何让观众更快更方便的接触到作品本身，也是每一个创作者在思考的问题，“虚拟性”空间能让人们更快捷的接触到作品本身。我们现在也正在紧锣密鼓的筹备这件作品的cryptovoxels公链上的版本，也会伴随着展览的周期慢慢的向公众展开。

VOGUE：

未来有何最新的创作计划与VOGUE读者分享吗？

刘佳玉：

最近这几年“元宇宙”成为热门话题，但对于现在的我们来说元宇宙依然充满未知。2021年也因为元宇宙和数字藏品，大家对技术产生了近乎狂热的关注。作为新媒体创作者，我们能做的可能是如何使用技术来实现自己思想的语言，我一直认为装置是链接虚拟世界与现实世界的端口，而我现在正在做的，便是构建人们抵达元宇宙前的 “缓冲地带”。在未来，我们也会在虚拟世界中进行更多创作的延展，通过这一“端口”输送源源不断的创作力，探索更多的可能性以及呈现的方式。